Recomendaciones: El motor

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El motor de Rómulo Gallegos llega rodando con firmeza al escenario del Teatro Nacional. Somos espectadores del trabajo en conjunto, el esfuerzo y nos confrontamos con la realidad que nos señala el pegujal. ¿Tenemos los mismos problemas sociales que hace cien años? Da la ligera impresión.

El Motor

Primero es muy importante tener presente el rol cultural que cumple el motor de Rómulo Gallegos en nuestra comuna. Este texto, escrito a principios del siglo XX tiene una maestría estructural a nivel dramatúrgico comparable con "La casa de Bernarda Alba", "Casa de Muñecas" o "Chuo Gil y las Tejedoras". Al mismo tiempo, comparte una responsabilidad equiparable con las anteriormente mencionadas cuando hablamos de llevarlas a escena. Se trata de una insignia del arte escénico venezolano que debe mantenerse, bajo cualquier circunstancia, adherida a nuestro pecho. Debemos siempre colocarla por lo alto. Expone uno de los problemas más profundos que presenta nuestra idiosincrasia con una atmósfera sainetesca y sencilla que conmueve las almas con aspereza. Todo mientras mantengas la atención durante las dos horas que propone Rómulo Gallegos para recibir la clase.

En esta ocasión nos sentimos muy agradecidos por el hallazgo que representa un trabajo bien hecho en líneas generales. 

Primeramente la obra posee un buen ritmo a pesar de su duración. No parece una tarea imposible prestar atención hasta el final, siempre y cuando el ritmo se mantenga. Allí mismo es donde podría recostarse el mayor problema que presenta el montaje; si el tiempo rítmico del actor no se encuentra afinado ni conectado con el de los compañeros, puedo convertirse fácilmente en una situación tediosa. Apegados a esa idea, tenemos un paleta de actuaciones muy variada en la que resaltan algunos talentos y habilidades que afortunadamente conviven como una armonía escénica muy contagiosa. Da la sensación de que todos están en el mismo lugar y manejan un lenguaje similar. Eso se aplaude y se agradece. De igual manera, el punto de apoyo mas importante en esta comunidad se nota un poco tambaleante cuando requiere una gran firmeza para funcionar como eje central de la maquinaria. Existe la posibilidad de predisposición de los actores por la larga duración del montaje y la cantidad de parlamentos que tiene para con la velocidad en la que se dice todo esto, no ha de apurarse innecesariamente el avance de la obra, los humanos deben respirar cómodamente y esperar que el teatro y la vida misma cumplan con el fenómeno. El principal aliado de este trabajo puede ser lo efímero del teatro, esa sensación de que todo está ocurriendo ahora mismo es muy importante para la sinergia y fluidez de dos horas de compromiso y entrega.

Vemos también una propuesta de dirección adecuada para muchos puntos y difusa en algunos otros. En momentos da la sensación de haber un ahogo en el espacio de los personajes. Esto puede estar ligado a decisiones de la puestista y una delimitación impuesta del espacio. Esto no está mal del todo. El problema aparece cuando los actores que no se encuentran adecuados a la pauta expresan códigos corporales que puedan delatarlo. Aún así, las intenciones son muy buenas; cuando se logra el objetivo aparece una magia teatral entre mutis y mutis, crece una expectativa solo por saber que le dirá este personaje a este y que ocurrirá cuando el otro se cruce con el otro. La compresión del escrito está clara y se nota bien ejecutada.

Hay una trabajo descomunal con respecto a lo que se ve en el escenario. La escenografía, los elementos, el vestuario. Todo mantiene una estética realista y cálida. Se refleja el calor de la zona y la sensación de sudor constante. El Pegujal vive.

La iluminación pretende sencillez y un cabizbajo camuflado, se trata de una protagonista encapuchada que no desea entrometerse demasiado en la atención del público y se dedica a contornear bien el espacio, el fondo y las ideas fuera de lo común. 

En líneas finales el motor es un gran texto, un gran desafío y un gran compromiso. En esta ocasión bien adquirido y enfrentado. En HdA nos emociona, por encima de todo lo demás, la abundancia de juventud que rodea todo este trabajo. Además, el interés por rescatar y la sensación de salvación que avecina el resultado. Pronto comenzará una nueva temporada del micro-teatro en nuestra ciudad y las apuestas por esta clase de emprendimientos probablemente vuelvan a escasear. Una lástima porque se siente la resurrección de nuestra vida teatral y todo eso conlleva un gran esfuerzo. Montajes como el motor, (que además de entereza visual, confronta y reflexiona sorpresivamente sobre los mismos problemas de ayer que lucen tan similares a los de hoy justamente porque son los mismos) están en peligro de ser desplazados por la fama y la inmediatez. Gracias por hacer una apuesta en crear alas conociendo el riesgo de la caída.

Recomendaciones: Enemigos

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El festival teatral de autor nos propuso una atractiva presentación de la obra del español Carlos Be. Fuimos atraídos por una interesante premisa, un buen trabajo de difusión y un gran estadio como lo es nuestro teatro nacional. El resultado… Tambaleante.

Enemigos

Enemigos nos cuenta una historia que algunos conocemos desde un punto de vista más confrontador con varios aspectos interesantes que le colocan un aire novedoso al discurso dramático que se plantea. Las expectativas suben mucho y probablemente, esa es nuestra culpa, o mejor dicho una responsabilidad que solo nosotros podemos asumir como espectadores, no le conciernen en lo absoluto a los miembros de este equipo.

El jurado tiene una decisión subjetiva que tomar sobre aquello que más destaca en la competición del festival, por lo tanto, nos ahorraremos una opinión directa que involucre la decisión del juicio y como siempre, actuaremos desde el punto de vista de unos espectadores que tienen cierto conocimiento y manejo del lenguaje teatral.

Nos llama la atención el rol de las proyecciones que se realizan.  Nos hacemos la pregunta de cuan importantes son para la finalidad que desea cumplir la obra. Lo entendemos como una propuesta novedosa, que inteligentemente empleada puede sumar; al ser solo una propuesta por proponer algo, puede volverse en contra del propio montaje si atenta contra el ritmo de la pieza y el necesario factor sorpresa que el teatro ha de poseer para mantener al público atento.

Vemos unas transiciones escénicas que nos dejan mucho que desear por la escases aparente de herramientas escénicas para resolverlas. Sin embargo, el texto dramático posee un valioso trasfondo que probablemente haría el favor por si solo de resolver los cambios entre escena y escena con más que un tradicional blackout que no oculta por completo a quienes mueven las cosas en el escenario.

Con respecto a las interpretaciones quedamos dudando. Principalmente lo que nos hace dudar son los espectadores que en su momento compartieron con nosotros la platea. Tenemos la noción de que hablamos de un texto de género dramático, pero, en algún punto del discurso, el público asistente determinó que esto se trataba de una comedia. No necesariamente porque hubiese risas en un momento dado es que llegamos a esta conclusión, sino porque la circunstancia escénica que se plantea no es coherente con la reacción del público; se sabe que en la comedia nos reímos de la tragedia que le está ocurriendo a los personajes, pero en un principio lo que estamos manejando son códigos que nos demuestran el drama trágico que se asume en esta oportunidad. La responsabilidad de que el lenguaje se traduzca claramente corresponde a los actores en el escenario, que sea cual sea el montaje en que se encuentren, siempre tienen un trabajo muy complejo de traducción lingüística que compromete sus habilidades comunicativas.

Debemos exigir como espectadores del arte escénico venezolano, arte escénico de calidad con respecto a las circunstancias a las que se somete un trabajo. Los espectáculos de mayor magnitud requieren de un nivel comprobado antes de ser presentados al público o la cultura teatral no se consolidará de forma adecuada. No es la intención de HdA, transgredir la integridad de nuestro teatro, pero si es necesario ponerlo en evidencia ante nuestros mismos ojos o las aspiraciones de exportar nuestro arte y elevar su nivel de profesionalidad y compromiso, afectado duramente estos últimos tiempos, serán más difíciles de afrontar. 

Por otro lado, un gran trabajo por parte de la producción de esta obra que nos brinda una muestra muy grande de esmero. Y ese es uno de los puntos importantes, no podemos aspirar a tener una ópera con explosiones en vivo y vestuarios extravagantes si el contenido expuesto no va de la mano con lo que visualmente se pretende mostrar.

Finalizamos esta entrada con la cita del director e investigador teatral británico de una trayectoria global, Peter Brook, que alega lo siguiente:

“El hombre de la calle que va al teatro está en lo cierto al decir que acude por su propio placer. Cuando el crítico asiste a un estreno, puede decir que sirve al hombre de la calle, pero no es exacto. El crítico no suministra consejos ni advertencias en secreto, su papel es mucho más importante, en realidad es esencial, ya que un arte sin críticos se vería constantemente amenazado por peligros mayores.” 

                 .-El espacio vacío. Brook, Peter, Pag.23

Recomendaciones: Cartografía de Nihil

 

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El último estreno de la Fundación Rajatabla forma parte del Festival teatral de autor como montaje invitado, tiene a un elenco de primer nivel y nos presenta un mundo ficticio en el que si nos descuidamos podríamos confundir con alguna coincidencia circunstancial muy familiar para los venezolanos. Principalmente por las trenzas que cuelgan del cabello de Orcinas que podemos ver en varias mujeres en los últimos tiempos o por tener televisor únicamente para ver los canales nacionales porque la señal es de costosa adquisición. Con un título que atrapa por su peculiaridad y una estética publicitaria muy llamativa, Cartografía de Nihil.

Cartografía de Nihil

Es una relación de amor y remordimiento que tenemos en HdA con este montaje. Primeramente, hablamos de un texto dramático ganador de un premio internacional, que no les otorga automáticamente una calidad superior a otros textos de índole similar. Aún así cumple muy bien con la intención de crear un panorama original para una situación tan cíclica y tan clásica en la historia de la humanidad, que funciona para hablarnos casi directamente de problemas sociales y psicológicos relevantes para los espectadores que aspiran asistir en este caso. Creemos que la trama pudo haber tenido una extensión un poco mayor considerando la oportunidad de aprovechar este nuevo mundo bien planteado. Nos quedamos deseando una especie de segundo acto o  segundo capítulo.

La propuesta escénica está muy interesante. Focaliza la atención y ubica a los actores en un espacio más especial para obtener un resultado más valioso interpretativamente. Tenemos unos cuantos rompimientos coreografiados para dar un toque diferente al realismo que vamos observando y sirven muy bien para mostrarnos algunas imágenes que destaquen la maravillosa profundidad que el texto plantea.

En cuanto a las interpretaciones encontramos un notable trabajo por parte de ambos caballeros. La voz y el compromiso energético del señor Balducci son un gran atractivo para el montaje en general porque resulta ser el personaje al que el público desea escuchar para conocer mejor. Por otra parte, Marchena tiene un notable trabajo corporal que evidencia su escuela y su experiencia. Adjunto a eso, vemos una osada propuesta lingüística en ambos trabajos. Desconocemos si es una propuesta del texto dramático o de los actores, aún así, dicha propuesta puede ser una gran virtud cuando se encuentra consolidada y un arma de filo doble si toca cumplir con una de esas funciones, en las que, por miles de motivos, un actor puede no sentirse suficientemente cómodo en el escenario. Sin embargo, el profesional enfrenta el reto. En las presentaciones que observamos cumple muy bien o al menos sale airoso. Dignamente firmes estos dos personajes en las manos de dos experimentados caballeros del arte escénico.

Por otra parte, Andrea parece encontrarse en otra sintonía energética. Esto no necesariamente es un aspecto negativo, pero, si no se le presta atención la actriz desaparece de la escena estando de pie bajo los reflectores. No da la impresión de tener un mal trabajo, aun así, pensamos que una mayor confianza empujarían sus resultados a un superior nivel de soltura que permita compaginar por completo con sus compañeros en el escenario. Margen de crecimiento positivo destaca por encima de todo.

La música, la estética escenográfica y el vestuario van tomadas de la mano con seguridad y eso se agradece. Todo el trabajo de unión escénica contiene un discurso dirigido hacia lo que el texto plantea y puesto que el mismo permite una pista de aterrizaje para la creatividad, más aún nos convencen los resultados.

Cartografía de Nihil es un montaje muy recomendable, en el que destaca el texto dramático y el planteamiento social que se nos muestra. Las interpretaciones exponen cierto desequilibrio, que con trabajo, pueden crecer, principalmente como conjunto. Finalmente felicitamos con mucha felicidad a Deiby Fonseca por el trabajo que realizó de inicio a fin y nos enorgullece el reconocimiento internacional que obtuvo por esta maravillosa idea. La fundación rajatabla es el escenario más ideal para sostener este conjunto artístico que ningún venezolano se debería perder por muchas razones.

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“Cartografía de Nihil“ relata la historia de Dos hermanos que viven en un búnker, buscan el momento oportuno para huir de Guaha, un país sumido en el totalitarismo de su soberana, líder del grupo Los Sufragistas. Desean llegar con vida a la frontera y pisar Nihil, el país vecino al que todos huyen pero nadie conoce con certeza; la única verdad es un mapa que han trazado para esquivar los obstáculos y llegar vivos. Ese objetivo se trunca cuando comienza una cacería de personas mayores de treinta años y discapacitados que los obliga a tomar decisiones drásticas y ayudar a escapar a Orcinas, una muchacha que huye y llega por accidente al búnker buscando refugio.
 
Bajo la dramaturgia y dirección de Deiby Fonseca. Y producida por Sinergia Teatro
 
La obra resultó ganadora del primer lugar del Certamen de Dramaturgia del Festival Escenarios del Mundo que se realiza cada año en Cuenca - Ecuador que según el veredicto de su jurado  refleja una situación distópica que a la vez que da cuenta de escenarios humanos particulares, penetrando en la esencia de preguntas existenciales sensibles, y posibles en situaciones límites, juega a la metáfora de la sociedad actual, la que parece estar en el momento de apocalípticas crisis y revelaciones: haber tocado fondo; y, por ende llamada a transformaciones inimaginadas. En un tiempo y ritmo acertado encuentra con poesía una trama con varios frentes que se resuelven con coherencia.